¿QUIEN PUEDE MATAR A UN NIÑO?

   Hay  una novela extraña, curiosa y muy original, se trata de “El juego de los niños” escrita por Juan José Plans en 1976, descatalogada por desgracia hoy en día. Aunque quien realmente nos dio a conocer esta novela fue Chicho Ibáñez Serrador cuando la llevó al cine bajo el nombre; ¿Quién puede matar a un niño?

    Se trata de una novela de ficción pero con un mensaje moral en su segunda lectura. La historia de unos turistas que van a una isla de la Costa Brava a descansar, y se dan cuenta de que en esa isla no hay adultos, solo niños. Poco a poco se irán dando cuenta de que esos niños han acabado con la vida de todos los adultos, matándolos como si de un juego se tratara. Ahora tiene que escapar de esa isla como sea.

     La adaptación de esta novela al cine fue todo un éxito. Chicho Ibáñez volvió a demostrar su dote a la hora de tratar historia de terror, ya lo había demostrado con su inmortal serie Historias para no dormir, y aquí lo volvió a demostrar en un largometraje basado en una interesante novela.

    El suspense de  libro e historia es el por qué los niños actúan así. Mientras la novela lo explicaba  mediante una explicación de ciencia ficción, debido a una intoxicación de los niños. Chicho le dio un aire mas metafísico a la historia. Y nos explico el por qué del comportamiento criminal en los niños en los títulos de crédito de la película, donde mostraba imágenes reales de noticiarios, No-do y telediarios sobre niños que han sido víctimas de la guerra, de las incompetencias de los mayores… Los inocentes son siempre lo que pagan los errores de los culpables. Los niños, nos dice Chicho con esta película, no hacen otra cosa sino lo que han visto de los adultos. Por ello, cuando matan y asesinan a los adultos, lo hacen riéndose y jugando. Es lo que han visto. Todos los adultos han muerto en esa isla porque nadie es capaz de matar un a un niño.

    A la pregunta del título sobre quien puede matar a un niño, la película nos dice que si, que la incompetencia de la guerra y las injusticias de los adultos matan, han matado y seguirán matando a niños. Por lo que, no nos extrañemos de que ellos pongan en práctica esa enseñanza.

    Es una película que deja muy mal cuerpo. Su metáfora es sincera, dura y tajante. Chicho consigue situar su película por encima de la novela de la que se basa. Una historia de terror con mensaje, una curiosa mezcla que muy pocos consiguen o saben hacer.

 

 

CAUTIVOS DEL MAL

Se trata de obra maestra de Vicente Minelli, una película extraordinaria sobre ese curioso genero denominado el cine dentro del cine. Eso es esta película, una reflexión sobre el cine de Hollywood, todo un documento de cómo se hacía cine en la época dorada.

Es todo un homenaje a la figura del productor como el autentico artista de una película, a menudo eclipsada por la figura del director. Sobe el productor como creador. En esta ocasión el personaje de esta película, interpretado por Kirg Douglas, está basado en el productor David O Selnick, el famoso productor de películas como EL mago de Oz, Lo que el viento se llevó, Rebeca, Encadenados…

Para los amantes del cine, la película es toda una delicia. Vemos como se hacían y rescribían los guiones, el vestuario, los músicos…

Tiene un guión extraordinario, que en un principio estaba pensado para retratar los interiores del teatro, pero finalmente se decantaron por mostrarnos el mundo del cine, en su esplendor y en su decadencia.

No se nos oculta hasta que limites puede llegar la pasión del productor por sacar adelante un película, aunque para ello tenga que utilizar a los demás. Es una reflexión sobre el cine y la vida, algo que nos recuerda mucho la película “Sesión continua”, de Garci, donde nos contaba el peligro cuando de mezcla el cine y la vida privada… siempre tirara mas una pasión que otra.

 Es, para muchos la mejor película de Minelli, un director poco reconocido a pesar de haber rodado grandes  obras maestras como; El padre de la novia, Melodías de Boradway 1955, Los cuatro jinetes del Apocalipsis, El loco del pelo rojo, vida de Vang Ghot”. Minelli es un artista y todo un autor, que definió esta película como;  una historia despiadada, cínica y siniestramente romántica.

 Destacar el aspecto de melodrama que tiene esta película, manifestado principalmente en el personaje de Lana Turner, con varios momentazos únicos; la escena de su reacción al darse cuenta de que ha sido utilizada, o cuando da lo mejor de si en su primera escena dramática y el equipo técnico queda prendado de su arte.

 Es una película sobre la creación cinematográfica, de cómo se gesta una historia, de cómo es mejor sugerir que mostrar explícitamente.

 Destacar a Kirl Dauglas, en uno de sus mejores papeles de toda su filmografía, el de un personaje atrapado por el cine, más que por la vida. Le consume el cine. Y ello le lleva a ser cruel y algo déspota en sus relaciones con los demás.

Así como Gloria Graham, espectacular en erotismo y seducción, y que le valió un Oscar como la mejor actriz secundaria. A parte de los 4 que se llevo esta película a la guión, fotografía B/N, vestuario B/N, direcc. artíst. B/N.

 Una película que guarda una curiosa similitud con “Ciudadano Kane”. En definitiva todo un clásico para ver y volver a ver. Un clásico, es una película que siempre que la vemos, por muchas veces que sean, siempre nos dice algo nuevo, de la vida o de nosotros mismos, y esta, es un clásico.

FIN

   Bravo por el cine de terror español, que después de Rec, la primera por supuesto, nos llega otra sorprendente película que sabe como aterrorizaral espectador con la inteligencia de un buen guión que a su vez tiene una buena basa literaria. Se trata de la inquietante novela de David Monteagudo de la que hablaré en otra ocasión, ahora centremos en la película.

   Muchos han criticado la película porque no explica nada y salen del cine sin entender nada. Dirige la película Jorge Torregrossa y realizan la adaptación de la novela al guión Sergio G. Sánchez yJorge Guerricaechevarría.

   Para poder definir esta película me acabo de inventar el concepto o género "terror-teológico". Estamos ante una película de terror, de verdadero espanto. El nivel de desasosiego y mal cuerpo que deja despues de verla es bastante considerable, al menos en aquellos que la hayan entendido.
   Se trata de un grupo de amigos que se reunen después de mucho tiempo, hasta que en mitad de una velada se produce un apagón. Nada funciona. Y se van produciendo extrañas desapariciones...

   La película es toda una metafora. Plantea el manido tema del fin del mundo, pero desde una optica distinta, no es desde la óptica judeo-cristiana, sino desde el mas desgarrador nihilismo. El terror de esta película esta en su mensaje. Y ese es el talento y el mérito de esta película. No aterroriza con chorradas, sino con una inquietante metáfora que rondará en el espectador días y días...
   Después de la hartera que nos llega a las carteleras de películas de terror. Un terror vacio, de usar y tirar, sin argumento. Aun recuerdo la última de terror que  vi, Sinister, una bazofia infumable que el único terror que tenía era a basa de producir sustitos con escenas rápidas en las que se da a la misma vez un golpe seco de música de cuerda  y ya tenemos el susto. Esta es la formula que predomina hoy en el genero de "terror"; sustitos a basa de música estridente e imagen rápida. Pero eso no es terror. Eso es un truco sucio propio de películas que no tienen mas terror que aportar y por ello recurren a eso. Entran en el saco  de este subgenro las mierdas de Paranormal Avtivity, ya en su cuarta parte de mediocridad argumental.

   Pero con Fin estamos ante algo nuevo, distinto, inquietante... ¿Se puede dar miedo con el "terror-teológico? Si, y mucho. Fin es la prueba. Tengo que registrar el concepto antes de que me lo quiten. Esta película nos asusta por su reflexión. Torregrossa no emplea sustitos con la musiquita, ni hay grandes efectos especiales, no hay acción, ni sangre, ni gore, ni asesinos en serie, ni zombis, ni mounstruos... Y sin embargo esta película da miedo.
   Se nos da la visión más inquietante de lo que podría ser el fin del mundo. Aqui no hay armagedones, ni angeles justicieros, ni sunamis devastadores de la humanidad... Aquí el fin del mundo es la Nada. La primera película que plantea el apocalipis desde una perspectiva nihilista, sin conceptos religiosos, sin embargo aparecen algunos guiños a la religiosidad. 
   Es una película que bebe bastante del maestro Chicho Ibáñez Serrador, concretamente de su película "?Quien puede matar un niño?" Tiene muchos puentos en común; se asusta más sugiriendo que explicando.
  Resulta petético ver como las criticas se ensañan con esta película porque no la entienden, una prueba de que sin formación o sin un poco de cultura filosofica-teologica no se disfruta igual una película. Para esta es necesario.
  Sales del cine con ese aparente alivio de repetirse, "menos mal que es una película". Aunque otro día hablare de la novela y veremos que no, que su mensaje no es solo una película.
   Es una película que da mucho miedo, porque nos enfrente e interpela con el miedo mas original que desde el Inicio ha tenido el ser humano.
   Bravo por una nueva sorpresa, cada vez menos, que nos vuelve a dar el cine español en el ámbito del terror. Un terror producido por su mensaje desolador, cuya explicación la de un personaje llamado Eva;
"- No somos tan importantes como creemos, nacemos, vivimos...y desaparecemos."

LA HISTORIA DE LA FAMILIA TRAPP

    Uno de los musicales más conocidos en la historia del cine y anteriormente en Broadway, “The sound of music”, llamado en España “sonrisas y lágrimas”. También se basa en un libro. En un libro biográfico titulado La historia de la Familia Von Trapp y escrito por la propia María en 1949 donde quiso recoger los recuerdos de su familia y la extraordinaria aventura que habían vivido junto desde que llegó a la casa del varón hasta que se convirtieron en un coro profesional instalados en América y con una fama que dura hasta el día de hoy.

   El libro fue una recomendación de su representante, y esta contado de manera sencilla. María no era una escritora y nunca había escrito ningún libro ni volvería a escribir otro. Pero lo cierto es que logro transmitir en el la historia de una familia unida y la aventura extraordinaria sobre el poder de la música y del amor que ha emocionado a millones de personas de todo el mundo.

   María pensó que su libro no era gran cosa y vendió los derechos por muy poco dinero. Cosa que lamentaría años después cuando vio la fama que tuvo y que se convirtió en todo un best seller que adaptarían para el teatro musical en Broadway y para el cine en tres ocasiona, dos películas alemanas que mantenían el titulo fiel del libro; la historia de la familia trapp y la secuela “la familia trapp en América”, época que  también desarrolla el libro. Aunque la adaptación al cine más famosa fue la dirigida por Robert Wise, que fue mitad adaptación del libro y mitad adaptación del musical con cosas propias y originales.

   En realidad la adaptación fiel del libro no la hizo ni el musical ni el cine, sino curiosamente una serie de dibujos animados japoneses manga  que adaptó con precisión los hechos narrados por María en su libro. Fue una serie de 1991 de 40 episodios  y que en España emitió Antena 3.

   Después de estar años y años el libro descatalogado, por fin han vuelto a sacar una nueva edición  la editoral espasa, con una renovada traducción de Jesús de la Torre Olid, y que yo creo que es una pequeña joya que hay que tener y leer. Una historia que nunca ha pasado de moda porque en realidad su mensaje es eterno, una canto a la vida, a la familia, a la esperanza,  a la unión… Es la novela que inspiro lo que luego conoceríamos como el fenómeno “sonrisas y lágrimas”

HASTA SIEMPRE MAESTRO!!

   Me gustaría rendir homenaje a uno de los mejores artistas del panorama español que nos ha dejado el pasado domingo a los 83 años de edad, nos referimos a Emilio Aragon Bermudez, Miliki.

   Mucho se ha hablado de su faceta como payaso de la Tv, pero poco de su faceta cinematográfica. Junto a sus hermanos rodo tres películas; Tres barbaros en un Jep,  Había una vez un circo(1972) , Los padrinos(1973), ninguna en España, sino que como todos sabemos ellos triunfaron primeramente en Cuba y Argentina. Y en España, ya en la década del 2000 hizo colaboraciones especiales en el cine en las películas 90 millas, Carlitos y el campo de los sueños, y Pájaros de papel.

   Una de las últimas emitidas por TV fue Los padrinos una película donde Gaby, Fofo y Miliki tienen que hacerse cargo de una niña huérfana que unos delincuentes quieren aprovecharla para vendarla como la supuesta nieta de un viejo rico. Y a la vez contaba las aventuras y desventuras del trio protagonista por hacerse un hueco en el mundo del espectáculo sin conseguirlo.

    Pero la película que rinde un verdadero homenaje a Miliki es “Pájaros de papel”, dirigida por su hijo Emilio Aragón en su opera prima en el año 2010 y con un reparto muy conseguido y que da lo mejor de su mismo en sus interpretaciones; Inmanol Arias, Luis Homar, Carmen Machi…

   La película nos cuenta la historia de un grupo de artista de vodevil a los que la guerra civil trunca sus expectativas y sus esperanzas. Pero estas personas, almas perdidas casi, se unen y forman una curiosa familia que intenta cada día salir adelante con sus miserias y sus alegrías. La construcción de los personajes es portentosa.

   La película cuenta con una puesta en escena clásica que logra emocionar al espectador. Una película atípica y sincera que se constituye como una de las mejores películas ambientadas en la guerra civil española.

  Es la historia de vidas marcadas por una pasión; el espectáculo. Un visión esperanzadora de la vida aun en las circunstancias más difíciles. Una película sobre el amor, el optimismo. Una historia de personas que se superan a si mismas. Se logra transmitir perfectamente ese sentimiento tragicómico de sus personajes. La fotografía de exteriores es exquisita así como los decorados y el vestuario.

   Tiene un ritmo narrativo, una fluidez que no decae en ningún momento. Tiene el logro de calar en el espectador desde el primer momento, de hacer que ría o que llore o que se emocione.

   La película tiene un aire a La vida es bella o a cinema paradiso y a  El viaje a ninguna parte, que retrataba muy bien las miserias por las que tenían que pasar los cómicos que iban a los pueblos. Hay que destacar a Carmen Machi, que esta inmensa en su papel cómico y musical… Sublime y espectacular su interpretación en su número musical; enciéndeme el brasero, frente al alcalde falangista. Estos diversos números de vodevil dotan a la película de rapidez y gracia.

   La película es más que un homenaje a los cómicos. Es un profundo abrazo a todos y cada uno de los artistas desde el punto de vista multidisciplinar. Es un canto a la vida frente a la adversidad, a la libertad y a la tolerancia.

 La recreación de los teatros de antaño es muy viva y lograda.

  Quizá lo peor de la película es la caracterización carituresca y casi paródica de los personajes fascistas que son muy poco creíbles ya que caen en el tópico infantil que los malos son muy malos y tontos y los buenos muy buenos y listos. Así como la parte del supuesto complot de atentado a Franco que no encaja bien con el resto de la historia y no termina de encajar con la lógica interna de la película, Es una parte desequilibrada y que sobra en la película.

   Destacar su sencilla pero hermosa banda sonora compuesta por el propio Emilio aragon y que dota a la película de esa sensibilidad y emoción que la hacen tan especial.

   Pájaros de papel es sobre todo un homenaje de un hijo a un padre, De Emilio Aragón a su padre Miliki, a su vida de cómico. Aunque la película no retrata su vida, sí que hay algunos elementos biográficos como cuando la familia Aragón tuvo que emigran en el posguerra y pasaron sus tiempos de miseria.

   Los últimos 10 minutos de esta película son asombros. La película da un salto a la actualidad y ese niño ya es mayor, lo encarna Miliki. Que hace una gran interpretación, o quizá hace de sí mismo. Lo cierto es que logra emocionar. Pájaros de papel es un homenaje a Miliki, a los artistas, a los cómicos… es una reflexión sobre la vida misma, es pena, ilusión, ironía, tristeza, alegría… Nos cuenta con poesía eso de que la vida es un drama, y a veces pura comedia.

   Un homenaje a un artista que ha trabajado duarante años con tesón y esfuerzo. No vale con tener talento, hay que trabajar. Desde niño Miliki no dejo de trabajar y esforzarse por superarse hasta el final. Logró cautvar a generaciones de niños en la decasa de los 70, 80 7 90. Cuando murieron sus hermanos, supo seguir adelante con el espectaculo, supo recomponerse y volver a cautivar a nuevas generaciones de niños, ahora en las cadenas privadas.  Supo renovarse y componer nuevas canciones, escribía nuevos e ingenosos guiones para sus comedias. Realizo un famoso musical con su hija Rita; El fantasma de la sopera... Editaba nuevos discos y nuevas canciones. Incluso ganó un Gramy. Fue embajador de UNICEF.... Nunca dejo de trabajar y hacer cosas. Por último se dedicó a escribir y publicó dos noveles muy interesantes... ¿Saben lo más triste? Que se va un digno Payaso y un gran artista del que muy dificilmente se encontrará un sustituto...

  

 Hasta siempre Maestro! Gracias por hacer de este mundo un lugar mejor, con tus sonrisa, tu musica y tu humor.

 

 

20 N

   Si se ha hecho alguna vez alguna película con tal precisión histórica, esa es la dirigida por Roberto Bodegas en 2008, 20 N Los últimos días de Franco. Mucho se ha hablado de la relación entre cine e historia pero es una relación con sus tiranteces ya que cada cual mete su baza a favor de lo que interesa. Pero una película obejtiva, precisa, documentada, histórica... es muy dificil de encontrar y ver. Pero en esta ocasión tenemos un buen ejemplo.

  Una película rodada integramente en el Palacio del Pardo, en las mismas habitaciones y salas. Con un portentoso guión de Antonio Onetti, Lorenzo Silva, con la colaboración de Victoria Prego y con toda la documentación del equipo  médico que atendieró al General.
   A parte de contar con escenarios reales, contó con, según afirman muchos críticos, la mejor interpretación de Manuel Alexander, conjuntamente con la que hizo con Antonio Mercero en ¿Y tu quien eres? Labor de maquilleje y de ambientación sobresalientes.
   La película se acerca con un tono documental a los últimos días de Franco donde tuvieron lugar la prolongada agonía que padeció hasta su muerte el 20 de noviembre de 1975. Todos los acontecimientos que retratata la película son verídicos, nada se ha añadido ficticio. Imagénes como la bajada de Franco desde su habitación  al botiquin de la Guardia envuelto en una alfombra porque la cama no bajaba por las escaleras  nos parece propias de un guión basado en lo grotesco, pero sin embargo así fueron los acontecimientos.

 20 N constituye todo un documento histórico que recrea a la perfección todos los acontecimientos vividos. No es la primera vez que los telefilms hacen  algo digno con material histórico. De igual manera resultan muy buenos los trabajos que recreaban la vida de Adolfo Suárez o los acontecimientos del 23 de frebrero con la miniseria El día más dificil del rey.
   Destacar la interpretación de Adrés Resino como el presidente de las Cortes, perfectamente interpretado que que constituyo, como nos contó en Sesión continua, uno de sus últimos trabajos para la televisión, y de los mejores.

   La película comienza al grano, con una agonía del General que aún no era física, sino psicológica; la presión por la repulsa internacional antes los fusilamientos a los condenados de ETA y GRAPO. Y las reiteradas llamadas de Pablo VI pidiendole clemencia. La película, de dos horas de duración, se suceden como si fuesen 20 minitos dada su gran fluidez narrativa, su precisión al contar los hechos y la maravillosa BSO que incrementa la tensión de lo que se cuenta.
    Como digo, es de agradecer una película que no caiga en el partidismo barato o en la ridiculización burda, como hizo la bazofia infumable de "pelicula" llamada Buen viaje Excelencia. En esta película se tiene muy claro que se esta contando con objetividad y sin prejuicio un acontecimiento histórico, sin pretender manipular al espectador situandolo en contra o a favor del personaje. Esto se expresa muy bien en una escena donde una enfermera de izquieradas que le ha tocado asistir al Caudillo, conversa con el camarero amigo suyo y este le dice:
  - Te puede hacer de oro, sacale un foto al viejo asi como esta hecho una mierda.
  -  ¿Pero tu eres tonto? Soy enfermera, y para mi es un paciente más, por muy dicatador hijo de puta que haya sido. Es un ser humano.- Le cotesta ella.

   Es una gran película. De esos regalos ocasionales que nos dan las filmaciones hechas para televisión. Con un gran reparto, escenarios reales, guión documentado e histórico, buena BSO... 20 N Los últimos días de Franco.

SOLOS EN LA MADRUGADA

   Si hay una película digna de ser recordada con afecto y cariño es una de las más hermosas películas de Jose Luis Garci, Solos en la madrugada…

Una película rodada en 1978 e interpretada por José Sacristan, Fiorella Faltoyano y Maria Casanova.

   Se trata de todo un homenaje a la radio, sobre todo a esa radio nocturna, compañera de las noches y las madrugadas. A aquellos programas en directo que parecía que te salvaban la vida en las noches oscuras. A modo de metáfora, Jose Luis Garci quiso con esta película rendir un homenaje a la radio que fue la gran protagonista en los años inciertos de la transición democrática, que es el contexto en el que se enmarca la película.

   Sus protagonistas son personas que ahora comienzan a trabajar en libertad, a expresar sus ideas con claridad…El protagonista tiene todo eso, también tiene éxito de ser líder de audiencia con su programa  “solos en la madrugada”. Pero su vida personal no va también, es separado, con una hija… Y ahora a aparecido en su vida una mujer liberal, criada en Europa, con una vivencia del sexo y del amor que Jose no entiende. Se ha hecho ilusiones con ella, pero ella no es mujer de un solo hombre…

   Jose, en el fondo está solo. Y ni si quiera se ha dado cuenta que su compañera de trabajo en la radio lleva años enamorada de él.

    Solos en la madrugada es una reflexión sobre la soledad, la noche,  los amores y desamores, los amores no correspondidos,  los anhelos,  una reflexión profunda y sincera de la vida, con lo que tiene de estafa y lo que tiene de lucha. El monologo final de pepe sacristan es portentoso, cuando el personaje abandona por esa novieta liberal, con una relación pésima con su ex mujer, y envuelto en una rutina solitaria anuncia el último programa de solos en la madruga y una invitación a vivir, a salir adelante, a luchar, a no desanimarnos nunca aunque la vida sea una estafa, a realizar nuestros sueños  sin ningún reparo…Un mensaje dirigido a todo, a aquellas mujeres que empezaban a conocer lo que es la libertad les dice; que quieres ir al cine y tu marido no te lleva?, pues ya sabes, el metro y a vivir.

El final es un canto a la libertad y una invitación a sacar lo mejor del ser humano, una invitación a cambiar el fracaso de nuestras vidas empezando por cambiar nosotros mismos…

La cinta es una reflexión sobre una sociedad que se quedaba huérfana de alguien al que le podían echar la culpa de todo lo malo y ahora tenían que afrontar sin ese paraguas un nuevo amanecer donde todo estaba por hacer, donde los personajes se mueven en un mar de dudas, en medio de diálogos inteligentes, evolucionan sin saber hacia dónde.

   La película fue todo un éxito de taquilla y de crítica. Una película  que ha ido ganando con los años. Con un bso preciosa de Jesús Gluck, la primera película en incluir la canción Unchained Melody que luego utilizaría años después en la década de los 90 Ghost…

   Es la película de los amantes del cine, de la radio y de la vida. Con un mensaje muy común en el cine de Garci; que aunque estemos solos en la madrugada, siempre llega el amanecer…

 

 

CANCIÓN DE CUNA PARA UN CADAVER...

 

   Un clásico no muy conocidon es Canción de cuna para un cadáver, de Robert Aldrich, quien quiso repetir el éxito de su obra maestra ¿Qué fue de Baby Jane?, contando con su estrella, la gran Bette Davis.

   Una película del año 1964 que contó con 7 nominaciones a los Oscar.

   Se trata de cuento gótico, que nos acerca a Charlotte, una solterona del Sur que lleva 30 años recluida en su caserón llorando la muerte del hombre que amó y al que cree que mató al no querer fugarse con ella.

   Es una película que tiene todos los ingredientes del cine gótico de terror; manos cortadas, cabezas decapitadas, pianos que suenan solos, puertas que se cierran, espejos que se rompen…  Y todo en un maravilloso blanco y negro, con sus contrastes entre luces y sombras, dándole a la película una atmosfera muy particular, de pesadilla, de angustia, claustrofobia…

   Una película Olivia de Haviland hace de mala por primera vez en toda su filmografía, y para sorpresa de todos, lo hace de maravilla. El rostro más tierno y angelical del cine (Melany en Lo que el viento se llevo) muestra aquí su lado mas terrorífico, con una miradas de odio y desprecio conseguidas a la perfección.

   La película combina el drama, el horror, el suspense… Es también una visión de la tristeza, de la nostalgia, de la melancolía… Charlotte recuerda cada noche a su amante, lo espera, sigue escuchando aquella nana que el habia compuesto para ella, es el deseo de Charlotte por recuperar ese tiempo feliz de su juventud, sigue igual de enamorada que entonces, se sigue emocionando cada vez que suena esa nana, es la canción que recuerda que un día fue feliz con su amante… Le arrebataron bruscamente a su amante… Una perdida violenta que marcó toda du vida. Es también una película sobre la soledad, la vejez, la tristeza.

   Todo esto muy bien contado, con una atmosfera fantasmagórica,  gótica, con un aire Hitchcock.

   Aldrich no llegó al nivel de la de Baby Jane pero sí consiguió una película interesante, que tiene los mismos ingredientes.

   También tiene una bso maravillosa, a la que le puso voz Al Martino… Y también la propia Bette Davis.

   Destacar la interpretación de Josep Coten y la secundaria Agnes Moorehead, haciendo de la fiel sirvienta de Charlotte y la primera en detectar las sucias intenciones de Mirian, el personaje de Havilland, que solo quiere quedarse con el dinero de Charlotte y desacerse de ella dándola por loca y por asesina.

  ¿Pero realmente mato ella a su amante, a quien tanto amaba y que aun sigue esperando?

   Una buena película para recuperar y ver en una de estas  tardes o madrugadas, Canción de cuna para un cadáver…

 

 

FRANKESTEIN, DE MARY SHELLY

   No se por qué se le dio tanta caña a esta película cuando vuelta a ver se le redescubre como una digna adpatación de una de las mejores novelas jamas escrita. Es cierto que hubo un cierto oportunismo aprovechando el incomprensible éxito de Francis Ford Copola con su particular versión de Drácula, una película a la que atrevió a llamar Dracula de Bram Stoker,atribuyendose así la adaptación más fiel de la novela hasta la fecha.
   Y dos años después, en 1994, salia esta película que eclipsó buena parte de la cartelera de entonces, cuando aún se podía ir al Royal donde estuvo bastante tiempo y al Galaxy. Fue una de las películas que mas alquilé en el Videoclub. Y salió con la misma pretensión al tener Branagh la osadía de titularla Frankestein de Mary Shelly. Y realmente es la adaptación mas fiel al texto, aunque no la mejor película sobre la criatura, ya que todos tenemos en mente el clásico de la Universal El doctor Frankestein, una película que se permitió demasiadas licencias con respecto a la novela pero puso los cimientos de sus posteriores adaptaciones cinematográficas.

   La pelicula que nos ocupa contó con todo tipo de facilidades y con un presupuesto desorbitante que se permitió contar con un buen reparto, detacar a DeNiro y a la inigualable Helena, un diseño de vestuario portentoso, una ambientación deslumbrante y unos decorados que iban de lo surrealista a lo grotesco. Mencionar también la labor de maquillaje por la que se ganó una nominación a los Oscar.
   Tiene un aspecto de teatralidad que confirma su fundamentación literaria. Los diálogos son muy buenos y se recoje la esencia de la novela; el ser humano que se cree Dios y con derecho a crear y destruir vida y las nefastas consecuencias que ello tiene.
   La película, al igual que la novela, es la historia de una obsesión, la obsesión de crear vida, de resucitar la materia con la electricidad. Algo que cambiaría la historia de la humanidad. Victor se cree el moderno Prometeo que va a lograrlo. Y lo logra, pero el resultado no es un ser humano, sino lo peor del ser humano. Una criatura que poco a poco va tomando conciencia de ser una criatura, que no fue concebida como fruto del amor entre dos personas sino como fruto de la técnica... Y esa toma de conciencia le va a llevar al odio a su creador; "por qué!?  por qué me creaste!? No tenias derecho!!!" Son las impresionantes palabras que le lanza la criatura a su creador. La interpretacion de DeNiro como la criatura es magistral.

   La gente que nunca se ha acercado a la novela y habla de oidas, siempre ha catalogado a Frankestein como una vulgar película de terror. No. No es una película de terror. Es una metafora con una lectura de fondo que es toda una llamada de atención a la humanidad. Parte de lo que que Shelly denunciaba como una aberración, el ser humano, orgulloso de su ignorancia, lo ha logrado; fabricamos serer humanos furto de la tecnica y no como furto de la fusión entre dos seres.

   La película también es una historia de amor. La de Victor y Elizabeth, una historia cegada por la obsesión de Victor, y que cuando intenta recuperarla tendrá serias dificultades. La criatura se siente sola, perdida, es un expremiento y no un ser sociable, y echa de menos esa sociabilidad y le exige a Victor que le cree una mujer, una compañera de camino. Victor no lo hace, y la venganza de la criatura se vuelca en Elizabeth con una de las escenas mas violentas y desagrables de la pelicula.
   Branagh y Helena Bomhan-Carter logran conseguir cierta química que no llega a cuajar del todo, pero ambos hacen una interpretación maravillosa.

   La moda que comenzó con Dracula de Coopola de restaurar todos los monstruos de la Universal continuo. Despues de esta aceptable versión de Frankesteín, le sugió el intento de recuperar al hombre lobo con la infumable bazofia de Lobo, protagonizada por Nicholson y Michael Pfeifer.

   Vuelva a ver Frankestein de Mary Shelly, dirigida y protagonizada por Kenneth Branagh. Le sorprenderá y nos volverá a cuestionar nuestro deseo original desde que el hombre es hombre; querer ser Dios.