PASEANDO A MISS DAISY (BIS)

   La película se cierra con un plano maravilloso, trascendente... Es un plano que nos acerca a un concepto tan trascendente como es el Amor; cuando miss Daisy ya esta en la residencia, con alzheimer y su viejo chófer, su amigo, le da de comer... Un simple gesto en una simple imagen que nos esta diciendo lo que verdaderamente es el amor.     Esto me recuerda a una conferencia de filósofos y teólogos donde se hablaba del amor, y despues de intentar definirlo con una sarta de cursilerias varias y sentimentalismos baratos, el conferenciante, harto de escuchar tanta sensibleria que no dice nada del amor, tomó la palabra y dijo; "El amor es limiparle el culo de mierda a un enfermo que ni te lo va a agradecer, ni te va a dar nada a cambio y que posiblemente mañana ya no se acuerde de que lo hiciste. Eso es el amor"
    La imagen final de Paseando a miss Daisy es un buen ejemplo de ello.

PASEANDO A MISS DAISY

   Me encanta un clásico contemporáneo dirigido por Bruce Beresford y basada en una obra de teatro de Alfred Uhry, que se encargo también del guión para esta adaptación cinematográfica. Fue la película premiada en los oscars de1989 con 9 nominaciones y ganando 4, a la mejor película, actriz, guión adaptado y maquillaje.

   La película es toda una reflexión sobre la vejez, sobre la amistad de una antipática profesora jubilada de 72 años y su chofer negro, contratado por el hijo de la anciana para evitar que tenga un accidente. Al principio la anciana y el entrañable conductor no se llevaran bien, pero poco a poco comenzara a nacer una amistad autentica forjada no en sentimientos, sino en la aceptación del otro, tal como es.

 

 

 

La película se mueve en el contexto racista de la época, donde los negro según siendo considerados esclavos. Pero Miss Daisy le dará la dignidad de ser humano que se merece. Es su gran dignidad, su bondad natural y su forma de elevarse por encima de los prejuicios lo que convierten a esta anciana en alguien especial e inteligente. Rompe con todos los prejuicios de la época y lo acepta a contracorriente de la sociedad. Al final no será su chofer, sino su amigo, como le confiesa en una de las más hermosas escenas finales de la película.

Es un entrañable relato sobre cómo se desarrolla la amistad hacia alguien que en un principio no se acepta, porque representa lo que ya no somos capaces de hacer por nosotros mismos, en este caso, conducir. La película es toda una alabanza a la dignidad de la vejez  y a la amistad verdadera. Escrita y rodada con una sensibilidad que no cae en lo sensiblero y con unos diálogos que nos calan hondo en su sencillez y en su sinceridad.

 

Una película sobre el tiempo, sobre la vida cotidiana de personas corrientes que van afrontando su ancianidad y el mayor enemigo de esta vida; el tiempo, que como un ladrón sigiloso, va robando poco a poco la juventud y los recuerdos. Una película sobre el transcurrir de los días. Es también un retrato del alzhéimer, sobre vidas en su ocaso, pero que aún así no dejan de brillar si  quiera cuando ya se han apagado.

   Es una película que tiene mucho de denuncia social, pero de una manera sutil, huyendo de todo efectismo o demagogia ya que no es ese su objetivo, sino la alegoría de la amistad y la convivencia. Si Stand by me es una película sobre la amistad juvenil, esta es la reflexión sobre la última amistad de nuestra vida.

   Hay que destacar la portentosa Bso que compuso el gran Hans Zimmer, uno de los grandes que ha compuesto la BSO de películas como; Piratas del Caribe, Gladiatro, El rey León, EL caballero Oscuro, Origen, El código Da vinci, Perl Harbour… Pero curiosamente esta hermosa partitura que compuso para miss Daysi no es de las más conocidas y yo creo que merece ser rescatada porque es una gran música para una gran película.

   La película se cierra con un plano maravilloso, transcendente… LA imagen nos acerca y nos retrata un concepto tan transcendente como el del Amor. Cuando miss daisy ya está en una residencia, con alzhéimer, y su viejo chofer, su amigo le da de comer… Con esta imagen se nos está diciendo lo que realmente es el amor. Esto me recuerda a una conferencia de filósofos y teólogos donde se hablaba del amor, y después de intentar definirlo con una sarta de cursilerías varias y de sentimentalismos caducos, el conferenciante, harto de escuchar tanta sensiblería a la hora de definir el amor dijo;” El amor es limpiarle el culo de mierda a un enfermo que ni te lo va a agradecer, ni te va a dar nada a cambio  y que posiblemente mañana ya no se acuerde de que lo hiciste, eso es el Amor.”   La imagen final de esta película nos narra lo que realmente es el amor.

 

Al final de la escapada

   Resulta de una frescura impresionante ver Al final de la escapada, rodada en 1959, la película que supuso la puerta de entrada de la Nouvelle Vague, ese impulso europeo de jóvenes cineastas que revolucionaron el cine.
   Es una película deun  amante del cine, de un jóven Godard que quería abrirse paso en ese mundo que tanto le fascinaba y le apasionaba, el cine. Y a la vez que meterse en el quiso renovarlo, hacer algo distinto en la manera de hacer películas que nunca antes se había hecho. Fue toda una revolución en el montaje, en la interpretación, en la utilización de los insertos... Supuso un estilo nuevo que cambió la narrativa clásica. Es una película muy pop, en el mejor sentido de la palabra. Anque lo mas que llama la atención es la revolución en el montaje, que parece hecho a hachazos, pero que guardan un intencionalidad, la de hacer avanzar de una forma nueva una historia.
   Es una película donde lo que importa no es lo que te cuenta, sino cómo lo cuenta. Aunque lo que cuenta también es interesante, una historia de amor y libertad, romanticismo y huída. Una película donde sus dos protagonistas dan lo mejor de sí, como es en toda la larga secuencia en el hotel, donde la conversación parece irse a cada momento por derroteros, donde se mezcla lo intelectual con lo soez, lo importante con lo superfluo, una secuencia donde los actores improvisaron mucho, otra caracteristica de la Nouvelle Vague, improvisaciones que dotaron a la película de realismo y libertad.
   Fue una películaque se planteo con un espiritu de libertad que los grandes estudios jamás hubiesen consentido. Tenía un gran carencia de medios, pero muy bien aprovechados. Nunca antes se le había sacado tanto partido a los Campos Eliseos como en esta película, parecen un personaje más, el marco de una historia de pasión y huída.
   Fue la película que convirtió en un estilo la aparente falta de continuidad o de desorden casual a los que nadie estaba acostumbrado a ver en el cine, y que por ello esta película supuso lo que supuso;
"Godard hizo del descuido virtud, con sus mezclas de planos abstrusos, sus empalmes alocados, sus cortes inoportunos, y eso creó una moda, por suerte refinada después".  No era obra de un chapuza, sino de un cinéfilo empedernido que conocía todo tipo de cine, y que sabía lo que hacía. Destacar el homenaje que le hace a Bogart, Belmondo es el Borgart macarra aquí, y a la revista Cahiers du Cinéma, la biblia de los cinéfilos.
   Es una película llena de escenas rompedoras, como la del arranque donde Belmondo se dirige a la camara, nos habla a nosotros, los especatadores, aunque nos manda a tomar por... Es todo un nuevo sentido del ritmo, de la velocidad, de como va avanzando una historia.
   A Godard le interesaba más la relación de estos dos jovenes apasionados que la propia historia, se centraba  en como hablaban, como camiaban por la calle... Por cierto , fue un rodaje muy callejero, totalmente espontaneo, donde los figurantes se quedaban mirando a la camara, toda esa gente que paseaba en ese momento por la calle. Era un cine muy exprimental.
   Me encanta la esenca cuando cae la tarde y se encienden todas las farolas de los campor Eliseos, una escena muy parecida a "Lo que queda del día". Cae la tarde, un día más muere, se encienden las luces, se acerca la noche... Es una escena que nos revela el romanticismo de Godard.
   O la escena cuando encuentra a la bella Jean Seberg, vendiedo periodicos, una chica que expresa frescura, naturalidad, belleza... Godard también quiso hacer un guiño a los grandes directores que hacían un cameo en sus películas, aquí hace un cameo al principio, fuamando pipa y leyendo el periodico.
  Pero las mejores escenas son las del hotel, casi 20 minutos... Una escena natural, donde se habla de amor, filosofía, pintura, existencialismo ( la filosofía imperante en ese momento en Francia), de dinero, de escapar... Es una de las mejores escenas de la historia del cine. Esta es la declaración de amor al cine de un apasionado del cine; Jean Luc Godard, un hombre que ni a sus 80 años ha dejado de rodar, no puede dejar de hacerlo... porque su vida es el cine. Y ya, a estas alturas de la película, es lo único que le da vida.

EL FESTÍN DE BABETTE

Se trata de una película sencilla, artística, con resonancias a Dreyer. Una visión de lo humano que quiere decir arte. Y una visión de la religión austera que cree que no puede ser feliz aquí en la tierra, sino que eso pertenece al más allá.

El personaje de Babbete es el de una mujer que lo tenía todo y lo perdió todo; su marido, su hijo y su trabajo. Se traslada a vivir como asistenta de dos entrañables señoras muy religiosas y muy hermosas que a la muerte de su padre el Pastor, ellas dirigen la comunidad religiosa, Gentes dedicadas a su sincero culto a Dios y a promulgar la austeridad exterior para el enriquecimiento interior y la convivencia pacífica en la que las tentaciones terrenales son vencidas por medio de una intensa fe. Hasta que llega una mujer francesa, Babbete, a servir en la casa de estas dos hermanas de avanzada edad, hermanas que a causa de su fanatismo religioso han dejado escapar la posibilidad de ser realmente felices y de no vivir en un mundo vació de entusiasmo y lleno de infelicidad.

En el aniversario del Pastor es cuando Babbete decide gastarse todo su dinero que ganó en la lotería, en un banquete para las dos hermanas que le han acogido y para la comunidad, esa que interpreta la religión como vivir en la infelicidad adormeciendo los sentidos y la vitalidad pasional, dichas personas religiosas reaccionan ante ese delicioso banquete con una estúpida resistenciade no querer saborear la comida, de no ser felices, de no dejar a sus sentidos que disfruten, dado que ellos entienden que eso pertenece al "más allá". Han puesto la condición de no hablar de la comida, no apreciarla, para no caer en pecado de gula y hedonismo Pero de nada les servirá. El banquete que ha preparado Babbete es el cielo en la tierra. Es un festín gastronómico tan impresionante que es capaz cuando menos por un noche de hacer que los comensales salgan de su caparazón y abran sus corazones a los demás.

En ese banquete aprenderán que se puede ser misericordioso, religioso, amar, y a la par gozar bebiendo y comiendo.

Una lección de humildad bajo la dirección tierna y acogedora del danés Gabriel Axel.

Es un sobresaliente drama filosófico y espiritual que, equiparando las delicias gastronómicas a la satisfacción del alma, invita a disfrutar de lo que la vida nos regala. A aprender el don de saber dar y saber recibir. A sentirse en paz con uno mismo.

Tiene una maravillosa ambientación de la vida en una apartada aldea danesa de la segunda mitad del XIX. Un estilo escandinavo, pausado y en apariencia trascendente.

Manda un mensaje de optimismo maravilloso, un mensaje de amistad, un mensaje contra el papanatismo de los radicalismos religiosos. Rodada con austeridad de medios pero con una riqueza visual descomunal, con escenas que resultan cuadros de una belleza sobresaliente, de una sensibilidad portentosa que nos transporta a un mundo donde el luteranismo es el motor de un pequeño pueblo, donde la demostración de los sentimientos es algo prohibido. El film es un dulce para los sentidos. El festín de Babettees una pequeña joya que nos habla, sin grandes pretensiones ni aires de grandeza, de cómo lo más cercano y sencillo puede ayudarnos a ser más felices, aunque sea por un momento, de cómo no tomarnos demasiado en serio ni siquiera lo más sagrado.

LA INJUSTICIA DE LOS GOYA

   Un año más la Academia de Cine y sus premios Goya se han lucido. Un año más han vuelto a marginar a Jose Luis Garci y su nueva película Holmes & Watson, Madrid days. Hay que reconocer que por supuesto todas las nominadas son buenas, sobretodo Blancanieves, que es una muestra de lo que es el poder de la imagen en movimiento, del cine. Pero si esa misma película la hubiese rodado Garci estoy seguro que pasaría desapercibida con comentarios como; "que horror en blanco y negro y muda" "es que garci esta astacado en el siglo pasado"  "que imitacion de The artist"... 

   Resulta inaudito el rechazo que año tras año le hacen a un profesional del cine que ha representado a España ¡4 veces! en los Oscar. Nadie ha representado a España 4 veces. Desde el año de Cancion de cuna, la Academia viene solapando y marginando cualquier cosa que venga de Jose Luis Garci. Pero este año se han lucido; ¡ni una nominación! de nada! Pero ni una! Ni siquiera de las menores, de las de vestuario, decorados... que eran las que ultimamente le daban a las ultimas peliculas de Garci para que no se tuviese que hablar mucho de ellas ya que son nominaciones menores. Pero este año ni esas.

   Resulta vergonzoso comprobar un año más como la Academia se mueve por teclas, amiguismos e ideologias mediocres antes que por mitivaciones cinematograficas. ¿Es que acaso la película de Garci es tan tan tan tan tan mala que no merecía ni una nominación? ¿Cómo es posible que actrices como Leticia Dolera (Rec 3) o Manuela Velasco (Rec) que tantas nominaciones recibieron el año pasado, este año participan en una película de Garci y no reciben ni una?  Claro, es que han trabajado con Garci, el apestado del mundo, el independiente... Y quien se una a el, ya se sabe... recibira el castigo de la marginación. Porque ni las nombran.

   Resulta humillante comprobar y  verificar como un año más la Academia humilla a uno de los mejores directores de cine Español, con un Oscar y 4 nominaciones a los Oscar. Un director valiente y arriesgado, que no se rige por las modas pasajeras, sino por la pasión por el cine y por lo que le gusta. Es alucinante como haga lo que haga siempre será objeto de criticas; Que hace Historia de un beso, pues es un sensiblero melancolíco. Que hace Ninette, pues es un salido que solo quería mostrar el culo de la Pataky. Que hace Sangre de Mayo, pues es un facha-patriota. Que hace Holmes & Watson, Madrid dyas, pues que como va a traer a Holmes a España, que fuerte anacronismo... No les importa ni el tema, ni la pelicula, ni la trama, ni los actores, ni la banda sonora, nada, solo importa el  si ¿es de Garci? Ah pues entonces ya no sirve, es mala.  Asi actúa la Academia y los "criticos" de moda. Pero que asco y que verguenza. Pero que poco saben de cine pedazo de mediocres, y cuanto saben de prejuicios y de desprecios a un profesional. ¿Pero que les ha hecho Jose Luis Garci a esta gentuza? Un hombre sencillo, apasionado del cine, independiente... Si, eso es. El es independiente, el no se casa con ideologias baratas ni con modas pasajeras. No, el hace lo que le de la gana y cuando le da la gana, este de moda o no. Cosa que muchos que lo critican no pueden hacerlo, porque se han casado con un moda o con una ideologia y no pueden salir de ahi, tiene que hacer películas monotemas, porque no hay más, porque si no no las subencionan, porque si no no las publicitan una y otra vez. ¿O es que acaso nunca se han preguntado por que las películas de Jose Luis Garci apenas tienen publicidad?  ¿Nunca se han preguntado por que la mayoria de las revistas de cine, nombran los estrenos de Garci en una esquinita, sin foto a poder ser, y sin destacar mucho las letras?  Pero eso si, en criticarlo y ridiculizarlo si que gastan tinta. Rebaño de tercerones.
 
   Un año más, ha resultado humillante, vergonzoso y asqueroso comprobar como han rechazado Holmes & Watson, Madrid days en la fiesta del cine español, los Goya. En el año que posiblemente sería la última película de Garci. ¿Es que no se merece un reconocimiento por una vida entregada al Cine? No claro, eso para cuando ya sea tarde. En vida a hacerle la puñeta.

   Otra prueba más de por qué, uno de los mejores presidentes que ha tenido la Academia, Alex de la Iglesia, salio por patas de ahi dimitiendo cuando vio la mafia que maneja las nominaciones segun sus teclas y simpatías poliíticas.

   Pero ¿saben algo? Las modas son pasajeras, pasan. Cuantas y cuantas horteradas que han sido premiadas de aquí para atras solo por el hecho de ser la moda del momento y... ¿quien se acuerda ahora de esas películas horteras? El tiempo siempre acaba poniendo a las obras maestras en su sitio. Algún día hablaremos de la profundidad filosofico-teologico de Asignatura aprobada. Algun día se estudiara la relación entre literatura  y cine partiendo del ejemplo de El abuelo. A todos los que nos apasiona el cine, tenemos la tranquilidad y la satisfacción que la mediocridad desaparece por si sola, las grandes películas permeneceran y serán valoradas por futuros cinefilos que no esten intoxicados por ideologias baratas, ni  por prejuicios rastreros, sino que su unica motivación a la hora de valorar una película sea el Cine y solo el Cine.  El cine de Jose Luis Garci esta a buen recaudo y los apasionados del cine lo saben. Un Academia de cine que reniege este buen cine hecho por un artesano del cine, ni tiene calidad, ni prestigio ni credibilidad.

                                                                                                   Óscar Méndez

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  

ROBIN DE LOS BOSQUES

   Si hay una película de la que hablar la noche antes a la víspera de Reyes en Sesión continua, a parte de La bruja novata, que ya se había convertido en una pequeña tradición, sería "Robin de los bosques". Una película muy asociada a mi infancia y a la de muchos que recuerden con viveza esta obra maestra.
   La película define lo que es la aventura, la acción, el entretenimiento en estado puro, una historia de amor y de amistades, batallas, humor, intriga, emoción... es CINE! Lo tiene todo; un gran y espectacular reparto, una deliciosa fotografia en color, una poderosa ambientación, una genial banda sonora...
   Esta pelicula representa la infancia. Una película romantica y de aventuras a la vez, de acción y de humor a la vez. Una película sobre la libertad, la opresion, la lealtad, la amistad, el amor, la revolución.
   Rodada en 1938 por Michael Curtiz para las escenas de acción y por William Keighley para el resto. Sin ambiciones ni orgullos, dieron una lección de compenetración para lograr una ejemplar película mitica y eterna. No importa si es fiel a la historia o no, es la mejor película sobre el legendario personaje Robin Hood. Un personaje que encarna la heroicidad, la valentía y la alegría.
   Lo primero que siempre me llamó la atención es el color de esta película. Un cuidadoso tratamiento del color que perdura hasta hoy a pesar de los años, ver esta película es ver toda una sinfonía de colores, ¿como es posible que una película de 1939 tenga un color vivo, alegre, lleno de fuerza y de luz que el de una película de 2012? Solo las obras maestras lo consiguen. Esos verdes de Robin que nos recuerda a los verdes de Peter Pan.
   Tiene también unos decorados maravillosos, con una panorámicas de interiores y generales maravillosas. La recreación que se hizo del bosque es increible.
   Es una película sobre buenos y malos, sobre la exaltación de los valores de tolerancia, libertad, lealtad... una película que destila bondad e inocencia. Una película infantil en el mejor sentido de la palabra. Una película llena de vida, alegría y entudiasmo. Y es curioso recordar a día de hoy como esta película tuvo problemas de censura en España. Parece increhible, pero no fue por la película en sí, sino por una declaraciones de Errol Flynn donde se manifestaba a favor de la República en España. En plena postguerra no permitieron que Flynn se pasease por los cines de España, por lo que la película se estrenó aquí con bastante retraso.

   Es una película que tiene los mejores besos, las mejores batallas, como la batalla final rodada entre luces y sobras y que es una auténtica coreografia. Destacar a parte de a Flynn en el papel de su vida, tambien a la gran Olivia que al principio no creía mucho en el proyecto y al final acabó  encantada. O destacar a Claude Rains en su papel del malvado hermano del rey Ricardo, esta soberbio. O al inmortal Holmes Basil Rathbone que demuestra una destreza en las escenas de batalla, y con su penetrante mirada.
   Se tuvieron en cuenta infinidad de detalles, se puede escuchar hasta el sonido de las lazan al ser tirada. Destacar la excelente música del gran músico Erich Wolfgang Korngold, que si no lo hubisen contratado a tiempo para hacer la banda sonora de esta película hubiese sido capturado por los nazis en Austria. Por ello siempre manifestó que; "Robin de los bosques me salvo la vida, literalmente". Y le salió una de las mejores bandas sonoras de la historia.
   La película fue todo un exito en todos los sentidos, de publico, crítica y taquilla. Es una película que emociona y entretiene. Una película eterna que te transporta a la feliz infancia como solo lo saben hacer las grandes películas, las obras maestras que llegan a convertirse en una vida de repuesta. Que mejor película para ver en Sesión continua el primer programa del año despues de unas Navidades con  ausencias... Feliz año.